La photo de paysage : conseils pour débuter

Vous venez d'acheter votre premier véritable appareil photo et vous aimez photographier les paysages.

A priori, la photo de paysage est une discipline simple à la portée de tous et qui pose peu de problèmes :

- contrairement à la photo en intérieur, on ne manque pas de lumière.

- contrairement à la photo d'action, le sujet est immobile.

- contrairement au portrait, le modèle est patient et on peut généralement prendre tout son temps !

Pourtant, lorsqu'on regarde ses photos, on est souvent déçu ne pas retrouver le magnifique paysage qu'on avait sous les yeux. Quelles peuvent en être les raisons ?

Le choix du cadrage (et donc de la focale)

Tout d'abord, tordons le cou à une idée reçue : trop souvent, la photo de paysage est associée à l'usage d'un objectif grand-angle, voire ultra-grand-angle. On cherche ainsi à immortaliser un panorama grandiose que l'on voudrait capturer dans sa globalité.

Or, il faut être conscient du fait qu'un appareil photo ne fonctionne pas comme notre oeil. Ce dernier se promène dans la scène, retient ce qui est important, délaisse le reste et nous permet de garder le souvenir d'une scène en quelque sorte "idéalisée". L'objectif, lui, va fixer l'intégralité du cadre. Il en résulte très souvent des photos vides, dans lesquelles les éléments intéressants occupent une toute petite partie de la composition.

Pour éviter ce problème, je vous conseille dans un premier temps de délaisser les objectifs très grand-angle (inférieurs à 24 mm), et de photographier le paysage avec une focale" normale" de 35mm. Mais aussi d'expérimenter les courts téléobjectifs qui permettent d'isoler certains éléments importants.

Contrairement à une idée reçue, on peut pratiquer la photo de paysage avec toutes sortes de focales.

Les deux photos qui suivent sont réalisées respectivement à 35 et 85 mm.

La composition

Il s'agit là d'une notion purement artistique, il est donc difficile de parler de règles. Toutefois, beaucoup de photographes prennent l'habitude de composer en évitant certaines combinaisons qui, de manière générale, fonctionnent mal. Voici donc quelques idées générales.

Notre oeil regarde une photo en commençant par le milieu. Si votre sujet principal est en plein milieu, l'oeil aura vu l'essentiel dès le premier regard et ne cherchera pas à circuler dans l'image.

Essayez de ne pas découper la photo en deux. On photographie un bateau sur l'eau en visant le bateau avec le collimateur central et on déclenche. Le résultat donne une photo avec la ligne d'horizon au milieu, ce qui inclue beaucoup de ciel, généralement inutile dans la photo. En recadrant une fois la mise au point effectuée, on peut placer l'horizon au tiers supérieur de la photo, ce qui donne une photo moins vide et plus intéressante.

D'autre part, cela marquera le choix du photographe : soit il a voulu photographier le bas de la scène (l'eau, la terre...), soit il a voulu photographier le haut (le ciel, quand celui-ci est intéressant). Mais au moins il y a un parti-pris identifiable.

3D ou 2D ?

Nous voyons en 3 dimensions mais nous photographions en 2 dimensions. Pour retrouver dans la photo la dimension qui manque (la profondeur), il faut essayer de proposer au spectateur un "cheminement" dans la photo. Il faut donc étager les différents plans pour qu'il circule du premier au dernier plan dans le sens de la profondeur. Pour cela, un grand-angle est utile car il créera une impression de profondeur importante mais il faut veiller à trouver un avant-plan intéressant.

Pour donner de l'importance à cet avant-plan, pensez à vous baisser.

Des lignes

Les lignes courbes et les diagonales sont toujours plus intéressantes que les horizontales et les verticales.

Ces lignes aident le spectateur à naviguer dans votre image, à la parcourir sans rester "bloqué" au centre de votre photo.

Tout net ou tout flou ?

Il faut aussi veiller à éviter que les différents plans de l'image ne se superposent pour que l'oeil ne bute pas sur un plan proche qui le gênerait pour circuler jusqu'au fond de l'image.

Un élément utile pour donner ce sentiment de profondeur est la profondeur de champ (aïe, j'avais dit pas de technique !!! ). Habituellement, cette profondeur de champ (la zone de netteté) est la plus grande possible en photo de paysage (on ferme à f/8 voire au-delà). Mais il peut être intéressant de la réduire volontairement pour qu'un plan se détache sur l'arrière-plan flou. Pour cela, ouvrez votre optique (f/2.8, f/2...).

Allez, on arrête avec la technique !

Au sujet de la profondeur de champ, une mauvaise habitude assez fréquemment répandue chez les débutants consiste à faire la mise au point sur l'infini ou du moins sur un plan lointain. C'est une très mauvaise idée : en effet, dans ce cas, une grande partie de la photo (à partir de l'avant plan) sera floue. Or les éléments placés à l'avant-plan sont les plus visibles car les plus grands sur la photo. A l'inverse, un arbre dans le lointain apparaitra tellement petit sur la photo qu'il n'est pas indispensable qu'il soit parfaitement net. Il est donc préférable de faire la mise au point sur un plan moyen, c'est ce qui vous permettra d'obtenir la plus grande zone de netteté.

Ou pourquoi pas sur le premier plan, comme sur la photo ci-dessus, si c'est l'élément important de votre photo.

Volontairement, je ne m'étends pas sur la technique de l'hyperfocale pour ne pas noyer les débutants sous des éléments techniques qui ne sont sans doute pas les plus importants ici. Mais si vous êtes curieux et un peu matheux, tapez ce mot dans un moteur de recherche !

Dernier conseil : on regarde dans le viseur en se concentrant sur son sujet principal. On peut facilement ne pas voir tel ou tel élément dérangeant sur le bord du cadre. Pensez à faire le tour du viseur avec l'oeil avant de déclencher, ça évite des déceptions !

Le point de vue et la perspective

Le point de vue est extrêmement important pour obtenir une composition intéressante. Regardez ces deux photos et comparez la taille des bateaux et de la végétation à l'arrière-plan :

La première est prise au 24 mm à 50cm des planches. Les bateaux semblent très lointains et sont minuscules.

La seconde est prise après avoir reculé de 3 mètres et avec une focale de 70mm. Le cadrage est identique mais les bateaux semblent s'être rapprochés considérablement et commencent à devenir intéressants dans la composition de la photo.

Si j'avais pu reculer davantage et utiliser une focale de 200mm, les bateaux auraient semblé très proches de la rive car ils seraient apparu encore beaucoup plus gros. Le chemin et l'eau auraient occupé beaucoup moins de place sur la photo.

Que pouvons-nous en déduire ? On entend souvent dire que les longues focales "compressent les plans". En réalité, c'est un abus de langage car les longues focales ne compressent rien du tout. En réalité, ce qui a modifié le rapport entre la taille des planches et la taille des bateaux, c'est le simple fait que je me sois éloigné des planches. La perspective ne dépend que du point de vue.

En pratique, qu'en conclure ? Et comment utiliser cette idée pour choisir son point de vue et sa focale ?

- si vous utilisez un grand angle en vous approchant très près de votre premier plan, tout ce qui est plus loin va sembler rejeté très loin et apparaitra plus petit qu'en réalité. En d'autres termes, vous donnez une importance très grande au premier plan au détriment du reste.

- si vous vous éloignez de votre avant-plan et utilisant un téléobjectif, les éléments lointains sembleront s'être approchés et gagneront en importance dans votre composition.

Quelle solution choisir ? Les deux ! Tout dépend de ce que vous voulez mettre en avant ou occulter. Mais il faut en être conscient.

Il est aussi important de pouvoir disposer de plusieurs focales pour obtenir le cadrage que vous voulez à partir du bon point de vue. Un zoom est pratique pour cela mais si vous utilisez des focales fixes, il en faudra plusieurs. Si vous disposez d'une seule focale fixe, votre point de vue vous sera imposé par la focale et ne sera peut-être pas le meilleur pour mettre la scène en valeur.

La lumière

La photo de paysage se pratique généralement tôt le matin ou en fin d'après-midi. Ce sont les meilleures conditions possibles de lumière. Comme ici en fin de journée : attendre une heure peut permettre de réaliser une photo nettement meilleure que si on l'avait faite plus tôt et cette scène sous le soleil dur de milieu d'après-midi n'aurait présenté aucun intérêt.

Mais parfois, on est amené à photographier en pleine journée ou sous un ciel gris.

Alors quelques conseils :

- évitez le contre-jour, sauf si vous maîtrisez la technique de mesure de lumière.

- si le temps est gris, évitez de photographier les lointains qui deviennent indiscernables. Concentrez-vous plutôt sur les éléments proches et délaissez les scènes trop globales.

- par temps gris, le contraste est généralement très faible. Si vous développez vos photos sur ordinateur, inutile de vous en soucier, mais si vous ne le faites pas, poussez un peu le contraste sur votre boitier, vous aurez de meilleurs résultats. Mais pensez à le remettre en position normale ensuite !

- par temps gris, trouvez si possible quelques éléments de couleur à inclure dans votre premier plan (fleurs de couleur vive, roches...). Ou encore un parapluie !

Petite parenthèse pour ces éléments urbains : éviter de faire basculer votre appareil photo vers le haut (ou le bas) et maintenez-le le plus vertical possible. Faute de cette précaution, les verticales apparaitront obliques et les parallèles verticales sembleront converger vers le haut.

Pour briser les règles et changer les habitudes

La symétrie se justifie souvent et contrairement à ce que je vous ai conseillé plus haut, il peut être judicieux de placer l'horizon au milieu.

C'est par exemple le cas des reflets.

Des personnages sur vos photos de paysage ? Eh bien oui, cela donne de la vie et une notion d'échelle. Connus ou inconnus, ils sont les bienvenus.

Voilà ! J'espère que ces quelques conseils simples vous aideront et vous donneront envie d'explorer.

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